O Fantaspoa, Festival Internacional de Cinema Fantástico de Porto Alegre, anunciou na tarde dessa quarta-feira (3), 25 dos 50 longas que serão exibidos no evento. Será a sua 17º edição, que neste ano será realizado de forma online e gratuita, entre os dias 9 e 18 de abril.

Os filmes vão de fantasia e ficção-científica, até horror e thriller. Nesta 17º edição serão apresentadas 150 produções, 100 curtas e 50 longa-metragens, e todos poderão ser vistos gratuitamente pela plataforma de streaming Darkflix.

Estreia mundial

Entre os filmes anunciados, três terão sua primeira exibição mundial no festival. São eles: Este Jogo Se Chama Assassinato, de Adam Sherman, Mister Limbro, de Robert G. Putka e O Grande Salto, de Karim Lakzdeh. Os dois primeiros são produções norte americanas, enquanto o terceiro é iraniano.

Projetos de outros 17 países estarão presentes no evento, dentre eles Argentina, Austrália, Holanda, Hungria, Japão, Rússia e Taiwan.

Formação em cinema

Além da exibição cinematográfica, a edição deste ano do Fantaspoa também irá realizar 14 atividades de formação para pessoas com interesse na área de cinema. Semanalmente de forma online, até o dia 8 de abril, atividades serão ministradas por grandes nomes como Lourenço Mutarelli, ator, professor e escritor; Luciana Paes, atriz premiada por seus filmes e novelas globais; e Silvero Pereira, ator que atuou recentemente em Bacurau interpretando Lunga.

Os primeiros 25 filmes divulgados são:

- Bloodshot Heart, de Parish Malfitano (Austrália)

- A Cabelereira, de Jill Gevargizian (EUA)

- Carroña, de Eric Fleitas e Luciana Garraza (Argentina)

- O Cemitério das Almas Perdidas, de Rodrigo Aragão (Brasil)

- Cisto, de Tyler Russell (EUA)

- Dancing Mary, de SABU (Japão)

- Danger! Danger!, de Lexie Findarle Trivundza e Nick Trivundza (EUA)

- A Dark, Dark Man, de Adilkhan Yerzhanov (Cazaquistão/França)

- Este Jogo Se Chama Assassinato, de Adam Sherman (EUA)

- Frank e Zed, de Jesse Blanchard (EUA)

- O Grande Salto, de Karim Lakzadeh (Irã)

- Get the Hell Out, de I-Fang Wang (Taiwan)

- Hawk e Rev: Matadores de Vampiros, de Ryan Barton-Grimley (EUA)

- História do Oculto, de Cristian Ponce (Argentina)

- Kontora, de Ansul Chauhan (Japão)

- Marionete, de Elbert van Strien (Holanda/Luxemburgo/Reino Unido)

- Mate Enterre Ganhe, de Michael Lovan (EUA)

- Mister Limbo, de Robert G. Putka (EUA)

- Moscou Não Acontece, de Dmitry Fedorov (Rússia)

- Noturna, de Gonzalo Calzada (Argentina)

- Playdurizm, de Gem Deger (República Tcheca)

- Post Mortem, de Péter Bergendy (Hungria)

- Querida, Você Não Vai Acreditar, de Yernar Nurgaliyev (Cazaquistão)

- Sangue Vurdalak, de Santiago Fernandéz Calvete (Cingapura);

- O Som da Violência, de Alex Noyer (Finlândia)

Robôs e nave espacial: Ridley Scott, diretor de "Alien" e "Blade Runner" retoma seus temas favoritos para o retorno às televisões com a série distópica "Raised by Wolves", transmitida pela plataforma HBO Max.

A tão esperada série de ficção científica, que estreia em 3 de setembro, fala sobre dois andróides ("Pai" e "Mãe") encarregados de criar filhos humanos em um novo planeta após a destruição da Terra.

A distopia futurística com abordagem bíblica é a primeira produção de Ridley Scott na televisão como diretor desde sua estreia na BBC na década de 1960.

"Li o material, o material era inspirador", explicou Scott. "Pensei comigo mesmo: não posso deixar isso escapar, preciso fazer. Foi muito simples".

No centro da trama, escrita por Aaron Guzikowski ("Prisioners" , "Papillon"), se desenvolve uma guerra religiosa entre ateus e discípulos do culto de Mitra, que provocou a aniquilação da humanidade e ameaçou a paz do refúgio dos robôs e sua sobrevivência.

Acostumado com as histórias galácticas, Scott, que dirigiu e produziu os primeiros dois episódios de "Raised by Wolves", disse à imprensa que seu maior desafio era não se repetir e "fazer diferente".

HBO, o canal à cabo americano pertencente ao grupo WarnerMedia assim como o HBO Max, já produziu em 2016 uma outra série de grande sucesso que explora as questões da inteligência artificial e o fim da humanidade: "Westworld".

A editora JBC anunciou o lançamento, entre maio e junho, da segunda parte de "Akira". Anúncio foi feito pela página oficial da editora no Facebook.

A obra deve chegar ao país em seis volumes, mas sem periodicidade definida. Segundo representantes da editora a velocidade de lançamento depende dos acordos feitos com os criadores japoneses.

O primeiro volume foi lançado em junho do ano passado.

"Akira" é um filme de animação japonesa lançado em 1988, do gênero ficção científica. É uma obra considerada grande influenciadora do gênero.

Na história o líder de uma gangue de motoqueiros chamado Kaneda é sequestrado pelo governo e passa por experiências para obter poderes sobrenaturais.

A trama se passa no ano de 2019, em Tóquio.

Um dos maiores eventos de cultura pop da América Latina iniciou a venda dos ingressos. A primeira edição da Comic Con Experience (CCXP Tour Nordeste) será realizada de 13 a 16 de abril no Centro de Convenções de Pernambuco, em Olinda. O evento reunirá fãs, artistas, profissionais e empresas de quadrinhos, cinema, TV, games, anime, RPG, memorabilia, ficção científica e colecionáveis para conhecerem as últimas novidades dessas áreas em uma grande celebração do universo geek e da cultura pop. De acordo com informações da assessoria de imprensa do evento, recebeu 196 mil pessoas em sua 3ª edição em São Paulo. O evento é organizado pelo Omelete Group, Chiaroscuro Studios e Piziitoys. A compra dos ingressos estão disponíveis no site da CCXP. 

Quem possui carteira de estudante, idosos, professores e portadores de necessidades especiais contam com o benefício da meia-entrada garantida por lei. Os demais fãs têm a oportunidade de adquirir o ingresso social mediante a doação de um livro entregue em bom estado de conservação na entrada do evento.

A novidade para a edição no Nordeste é o ingresso Epic VIP, que traz benefícios como na Entrada VIP - 1 hora antes da abertura dos portões-,  acesso à sala VIP com comida e bebida, pôster exclusivo do evento, e camiseta oficial CCXP Tour NE 2017 em Recife. O ingresso custa R$ 999,99 ou em até seis vezes de R$ 166,50.

Também estão disponíveis os ingressos do Full Experience, que garantem acesso aos quatro dias de evento com direto a benefícios como ticket de foto e autógrafo do ator Alexander Ludwig, além de produtos exclusivos da CCXP como a camiseta, boné e chaveiro. Confira os preços dos ingressos do primeiro lote:

13/04 (quinta-feira) – R$ 69,99 (meia-entrada), R$ 74,99 (ingresso social), R$ 139,98 (inteira)

14/04 (sexta-feira) – R$ 69,99 (meia-entrada), R$ 74,99 (ingresso social), R$ 139,98 (inteira)

15/04 (sábado) – R$ 89,99 (meia-entrada), R$ 94,99 (ingresso social), R$ 179,98 (inteira)

16/04 (domingo) – R$ 89,99 (meia-entrada), R$ 94,99 (ingresso social), R$ 179,98 (inteira)

Pacote para os 4 dias de evento – R$ 269,99 (meia-entrada), R$ 274,99 (ingresso social), R$ 539,98 (inteira)

Leonard Nimoy, que morreu nesta sexta-feira aos 83 anos, será lembrado principalmente por sua interpretação como sr. Spock na série e filmes de cinema "Star Trek" (Jornada nas Estrelas).

Mas seu talento como ator e diretor o envolveram em diversas produções nas pequenas e grandes telas, em uma carreira que começou no início de da década de 1950.

Em suas duas primeiras décadas como ator profissional, ele interpretou papéis em uma série de programas de TV clássicos incluindo "Dragnet", "Perry Mason" e "O agente da U.N.C.L.E.".

Entre 1969 e 1971, ele apareceu em 49 episódios do drama de espionagem "Missão: Impossível", interpretando um mágico chamado Paris.

Muitos dos papéis de Nimoy em programas de TV eram em westerns como "O Homem de Virgínia" e "Caravana" - mas aparições em séries de ficção científica como "Além da Imaginação" e "A Quinta Dimensão" garantiram seu lugar e o sucesso na nave estelar Enterprise.

Como Spock, Nimoy apareceu nos 79 episódios da série original, que durou de 1966 a 1969.

Ele então retomou o papel nos seis longa-metragens para cinema e na nova versão da franquia dirigida por JJ Abrams.

Nos anos 1970, emprestou sua voz à série animada inspirada em "Star Trek". Em 1991, Spock também participou em dois episódios da série derivada da original, "Jornada nas Estrelas A Nova Geração".

Recentemente, de 2009 a 2012, Nimoy, participou de 11 episódios da série de ficção científica "Fringe", também produzida por J.J.Abrams.

Na cadeira de diretor, Nimoy dirigiu "Jornada nas Estrelas II: À procura de Spock" (1984) e "Jornada nas Estrelas IV: A volta para casa" (1986).

Em 1987, dirigiu Tom Selleck no remake de Hollywood da comédia francesa "Três solteirões e um bebê", um grande sucesso do cinema.

Nimoy dirigiu ainda "Coisas engraçadas do amor", com Gene Wilder, e depois fazendo cócegas novamente como diretor em "Funny About Love" estrelado por Gene Wider, e "Santo matrimônio", com Patricia Arquette.

Nimoy também levou sua inequívoca voz para diversos documentários, como a série de ficção científica "Invasion America" e vários episódios de "Os Simpsons".

Além de atuar e dirigir, escreveu livros sobre sua personagem Spock, poesia e se dedicou nos últimos anos de sua vida à fotografia.

Falta um ano para a data em que Marty McFly chega no futuro no filme De Volta Para o Futuro II. Na história, o personagem encontra a tecnologia de pranchas capaz de levitar, os chamados "hoverboards" no ano de 2015, e agora uma empresa americana quer usar o Kickstarter para transformar isso em realidade. O projeto Hendo Hoverboard iniciou sua campanha no site de financiamento coletivo e em menos de 24 horas já arrecadou mais de US$ 100 mil.

A empresa Arx Pax está usando uma tecnologia baseada no princípio científico conhecido como a Lei de Lenz. Ele diz que o sentido da corrente é o oposto da variação do campo magnético que lhe deu origem. Para fazer o objeto levitar, os desenvolvedores criaram o que chamam de "arquitetura de campo magnético". Isto permite que eles usem imãs manipulem o campo magnético para uma direção específica, e o resultado é algo que antes só era possível num filme de ficção científica.

Para convencer os céticos, a empresa está oferencendo, pelo Kickstarter, um kit de desenvolvimento com o que chamam de "caixa branca." Um aparelho com a tecnologia para que desenvolvedores e curiosos possam testar a ideia e por na prática através de outros conceitos. Greg Henderson e sua esposa Jill, fundadores da Arx Pax dizem que a tecnologia pode ser reproduzida em qualquer tamanho, seja ele pequeno ou grande. A ambição é grande, e eles dizem que é possível usar para proteger prédios de terremotos e inundações, além de criar novos meios de transporte.

O ano é 2028, mas na realidade está mais próxima do que se imagina. Utilizar robôs para garantir mais segurança e combater o crime já é algo encontrado nos dias de hoje, como os Drones, por exemplo, equipamento aéreo criado pelos Estados Unidos, que pode servir como uma arma militar. No reboot de RoboCop percebe-se um contexto semelhante, no qual a máquina está à serviço da segurança. Resta saber para quem é seguro.

Considerado um super-herói, RoboCop ganhou sua primeira versão para os cinemas em 1987, em filme bastante elogiado, sendo quase impossível surgir um reboot que superasse o longa original. Até que aparece o diretor brasileiro José Padilha (Tropa de Elite; Tropa de Elite 2) e consegue trazer um novo RoboCop, com uma história repaginada, política e com mais ação do que nunca.

Tudo começa com um atentado à vida de Alex Murphy (Joel Kinnaman), um policial de bom caráter que pode ser uma pedra no sapato de muita gente. O acidente o deixa entre a vida e a morte. A situação aparenta ser bem favorável para os donos da empresa OmniCorp, que deseja criar robôs para combater o crime nas grandes cidades. Com o estado crítico de Alex, Raymond Sellars (Michael Keaton) aproveita para desenvolver sua ideia de criar um robô que tenha consciência humana, a fim de conquistar o povo americano, garantindo seus objetivos políticos.

A transformação de Alex num robô é bastante perturbadora. Padilha faz questão de mostrar, de maneira crua, as únicas partes do corpo humano que restaram no em Alex: a cabeça com o cérebro à mostra, os pulmões e uma mão. Por mais que seja chocante, a reconstrução de forma cibernética agrada a quem assiste. É um verdadeiro show de efeitos especiais e também de interpretação, tanto de Kinnaman quanto do ator Gary Oldman, que vive o Dr. Dennett Norton, médico ambicioso e responsável pela nova vida de Alex.

No entanto, a busca pelo desempenho perfeito da máquina acaba abrindo mão das emoções de Alex. Com o desligamento da parte humana pelo Dr. Dennett, Alex passa a enfrentar seu maior inimigo: ele mesmo. O amor dele pela família será sua maior arma contra a máquina e contra aqueles que se sentem ameaçados pelo incorruptível RoboCop. É nesse momento que surge uma das melhores cenas do filme, com uma boa sequência de ação e direção característica de Padilha.

Os roteiristas Josh Zetumer, Edward Neumeier e Michael Miner- estes dois últimos também participaram do roteiro do filme original - abordam um ponto crucial da sociedade norte-americana: o patriotismo. A OmniCorp cria um slogan de proteção e segurança a fim de garantir o apoio da população. A mídia americana, através de Pat Novak (Samuel L. Jackson), representa bem o patriotismo norte-americano, com discursos nacionalistas sobre protecionismo. O personagem de Jackson representa bem o poder da opinião pública, que muda de lado de acordo com seus interesses. Novak possui uma lábia que convence qualquer espectador.

No mais, RoboCop é um filme com uma ação característica do diretor de Tropa de Elite. Como diria RoboCop: “Thank you for you cooperation”, José Padilha.

Em tempo

RoboCop estreia nesta sexta (21) nos cinemas do Brasil. Embora esteja arracando elogios entre os brasileiros, parece que o longa não despertou tanto interesse dos norte-americanos. Na semana de estreia nos Estados Unidos, RoboCop ficou em terceiro lugar no ranking das bilheterias, perdendo para o romance About Last Night e a animação Uma aventura Lego, que conquistou a primeira posição.

Há filmes excelentes, e outros que são péssimos. Há também aqueles que estão em um meio termo, e costumam nos deixar indiferentes. Numa quarta categoria, consegui encaixar Ender’s Game – O Jogo do Exterminador, aquela de obras que nos dividem, deixando-nos pensativos acerca de sua qualidade e conteúdo por um longo tempo, e tudo isso graças a algumas escolhas de roteiro, vindas do livro do qual foi adaptado, ou não, que diminuem o poder e a força da narrativa, mais especificamente seu final após o encerramento da trama principal, que surge a fim de romantizar os fatos, mas acaba por minimizar o impacto da reviravolta em uma película que discute questões éticas, história da humanidade, Freud, guerras e religião.

Com tamanho arcabouço, é no mínimo decepcionante que tal final realmente venha na contramão de tudo o que o filme  apresentara até então, e que este seja um daqueles exemplares em que podemos claramente afirmar que mais tempo de projeção o faria bem. Seus 105 minutos parecem pouco, e acabam acelerando determinados processos, discussões ou desenvolvimento de personagens, que, se parecem precoces, são compensados pela densidade visual da película, com inspirações que remontam 2001 – Uma Odisseia no Espaço (alguns corredrres circulares) e Tron (com suas luzes e arquiteturas impossíveis) , e vão além, criando um espaço sombrio, onde a iluminação são apenas feixes de esperança salpicados aqui e ali. Os locais das batalhas entre equipes são particularmente fascinantes e representam o apuro do design de produção, que cria salões suspensos em naves espaciais, com paredes transparentes que dão a sensação de infinitude em gravidade zero.

Excetuando os problemas já citados, e uma completa falta de justificativas para os desígnios quase místicos atribuídos pelo script, que fazem de Ender Wiggin o escolhido e estabelecem uma ligação especial com sua irmã, Valentine, sem que jamais saibamos como aquilo se deu, Gavin Hood é eficiente ao traduzir características da psiquê em seus personagem, como no trio formado por Harrison Ford, Viola Davis e Asa Butterfield. Enquanto o primeiro  representa o Superego, sempre preferindo se calar em vez de falar absurdos ou deixar-se levar pela raiva, e escolhendo cada palavra antes de dizê-la, Davis é o Ego, prezando pelo emocional e sempre preocupada em como a guerra afetará aquelas crianças. Já Butterfield encarna o Id a ser lapidado, em busca de contrabalancear os aspectos de seus tutores, que inclusive se refletem também em seus irmãos.

Mais interessante ainda é a abordagem de se colocar crianças em uma guerra capaz de definir o destino da humanidade, tudo isso por conta da sua capacidade reconhecida de absorver mais rapidamente aprendizados, além de serem, tanto hoje quanto no futuro apresentado, da geração dos videogames, que apresentam elevado potencial para lidar com as simulações que fazem parte de seu treinamento. Gavin Hood, o também diretor, não suaviza a mão e coloca no centro de discussões éticas aqueles garotos, que para se provarem, precisam demonstrar frieza e exibir raciocínio acima da média em disputas que podem lhes custar suas vidas. Além disso, o tempo como cadetes em nada se afasta do rigor e crueza visto em outras produções, como Nascido para Matar e seus filhotes, talvez mais leves a fim apenas de se adaptarem à classificação indicativa.

E se Ford exprime uma presença absurda em tela, da qual já sentíamos falta, e Davis acaba por ser desperdiçada e ignorada em boa parte da projeção como mera coadjuvante, é em Asa Butterfield que Ender’s Game – O Jogo do Exterminador, ganha carisma, sagacidade e força, já que o jovem ator consegue compor uma figura dualística que se divide entre as emoções, retratadas através de olhos marejados, e da lógica, vista em suas estratégias ou na não interrupção de uma luta, apenas para enfraquecer seu inimigo, ao passo que se atenta a detalhes como a respiração arrítmica, que é ouvida e sentida no primeiro momento em que Ender entra em uma câmara de combate.

Talvez pelos custos da produção, os efeitos visuais, em sua maioria, deixem a desejar, mas mesmo isso é absorvido diegeticamente pela narrativa, já que os duelos espaciais são, em certa medida, nada menos que representações gráficas da realidade, e o próprio jogo jogado por Ender não passa de uma plataforma virtual.

As inspirações históricas também estão lá, como visto no excelente diálogo em que se pede do protagonista que este seja um Júlio César ou um Napoleão Bonaparte, ao passo que este rebate informando do trágico destino dos dois, e é cobrado não por seus finais, mas por seus feitos. Mas acima de tudo, impressiona o debate gerado pelo uso dos infantes nas guerras que os adultos não são capazes de duelar, e no engodo criado para fazê-los participar do jogo que dá título ao filme.

Graças a Steve Jablonsky, compositor habitual dos filmes de Michael Bay, a película ganha corpo com uma trilha sonora eficaz na ação e no suspense crescente, que se não traz enormes inspirações, ao menos é ideal para que vibremos com os embates apresentados por Hood e seu elenco.

Ainda com tantos problemas e um roteiro inextricável, nos é possível admitir que Ender’s Game – O Jogo do Exterminador é um exemplar intrigante e surpreendente da ficção científica em um ano tão prolífico para o gênero.

Marcando a estreia de Gravidade, de Alfonso Cuarón, no último final de semana, abordamos a ficção científica e discutimos o que é de fato obra do gênero e o que não é. Quais filmes podem ser considerados sci fi? Quais elementos compõem esta linha que tem, no ano de 2013, vários expoentes no cinema? Que filmes e livros pouco conhecidos resolvemos indicar para vocês?